– Arthur Schopenhauerdecía que se puede medir la inteligencia de una persona por su agudeza auditiva
– ¿No fue él quien empujo a una mujer por las escaleras?
– ¿Y eso en qué afectó su trabajo?
TÁR. 2022. Todd Field
Aunque un poco equivocado, ese es un fragmento de un diálogo directo de TÁR, una película de Todd Fields que es fuerte contendiente a ser multi-premiada en los Óscares.
Al igual que Schopenhauer, nuestra protagonista, Lydia Tár (Cate Blanchett)realiza actos dudosos que ponen en duda también su genio, el cual podría rayar en lo obsesivo.
La película es sólida en sus diferentes actos. La presentación del personaje de Blanchett y su contexto social y cultural son presentados a través de diferentes detalles muy pequeños en ocasiones que, si te distraes, puede que no veas. Todo es un juego de props, perspectivas de cámara y ciertos gestos que Tár realiza que construyen muy bien su esencia.
El guión, también escrito por Field, se muestra en todo su esplendor durante las conversaciones que se llevan a acabo por todo el filme. Igualmente la dirección del corte tiene varias escenas paralelas que construyen muy bien la historia.
Las actuaciones e Sophie Kauer y Nina Hoss son un excelente complemento a la interpretación de Blanchett, incluso se siente la originalidad de cada personaje cada que tiene una conversación. Sus intereses y metas son bastante bien representadas.
TÁR es una cinta que no puede pasar desapercibida en las entregas de premios que vienen en las siguientes semanas. Va a ser difícil no poder decir “Es que merecía ganar” o “Merecido premio que se llevo” en cada terna donde se lleve un premio o no. Sin duda es una película que, si no eres de los que prefieren el CGI, las explosiones y en cambio te gustan las películas a las cuales les puedes encontrar, a propósito, miles de interpretaciones, esta es una opción que no te debes de perder.
Si eres fan del universo marvel, esta película la has esperado con ansias, si no eres fan y te aventuras a verla te dejará con un buen sabor de boca. Un filme que te llevará entre risa, suspenso y acción, Quantumania es una gran experiencia que nos traslada al mundo del universo quantico, con increíbles efectos visuales que nos llevan a una atmósfera totalmente única, llena de criaturas fantástica que nunca creerías que existen en un mundo tan pequeño.
A pesar de que Ant-man no es el héroe más representativo de los vengadores (y el filme mismo hace mofa de eso) Scott Lang demuestra estar a la altura para dar el banderazo a la fase 5 del MCU haciendo frente al temible Kang el conquistador, pero no sólo sino acompañado de Hope Van Dyne (The Wasp), Henry Pym, Janeth Van Dyne e incluso su hija Cassie, mostrándonos que cualquiera puede ser un héroe si se determina a dar un paso adelante y no ser indiferente ante las injusticias que están a su alrededor; finalmente eso es lo que representa ser un vengador.
La historia en su desarrollo nos irá develando parte de lo que vivió Janeth Van Dyne durante los 30 años que estuvo encerrada en el mundo quantico y nos enlazará nuevamente al multiverso y sus terribles amenazas, mostrándonos los villanos que amenazaran la existencia de nuestro universo en el futuro y trayendo de vuelta fantasmas del pasado.
Como es clásico de las películas de marvel, este filme cuenta con dos escenas post créditos que te darán una idea de los próximos pasos en el MCU, en los que se irán integrando a los héroes que hemos visto en las últimas películas y series para hacer frente a esta nueva amenaza.
Una animación española por las que pocos apostaban llegó a la pantalla grande para demostrarnos que las buenas historias pueden venir de cualquier parte.
En Egipto, en las profundidades de la tierra, hay una ciudad de momias que data de hace 3000 años. Por mandato imperial, la princesa Nefer tiene que casarse con Thut, pero ninguno de los dos, quiere hacerlo: Nefer anhela la libertad y Thut es alérgico al compromiso. Pero el mandato de los dioses son ineludibles, y ahora Thut tendrá que casarse con Nefer en tan sólo siete días, llevando a la boda el antiguo anillo que le ha regalado el faraón.
Cuando Thut descubre que le han robado el anillo, no tiene más remedio que subir al mundo humano e infiltrarse en el Londres actual. Le acompaña su hermano pequeño Sekhem, un niño de ocho años que quiere recuperar el estatus de héroe de carreras de Thut; y Croc, un bebé cocodrilo y mascota de Sekhem; así como también Nefer, que aprovecha la oportunidad para huir del matrimonio y perseguir sus sueños. Juntas, las tres momias, tendrán que navegar por el Londres actual, recuperar el anillo que Lord Silvester Carnaby ha robado y, algo que no estaba en los planes de Thut y Nefer, aprenden a quererse.
La historia es una propuesta divertidísima para toda la familia con personajes que se volverán icónicos desde ya. Con un ritmo ágil para los niños pero sin perder el hilo conductor para los adultos; las momias y el anillo perdido es una bonita sorpresa que vale la pena ver en la pantalla grande.
Antes de entrar a la función de The Whale, sólo sabía que la crítica internacional esperaba con ansias la película que marcaría el retorno triunfal de Brendan Fraser a Hollywood. Lo primero que noté al comenzar la nueva película de Darren Aronofsky fue que la pantalla aparecía en formato 4:3 y primero pensé que debía haber sido algún error del proyector, pero pronto entendí el propósito de presentar la cinematografía de esta manera. El formato 4:3 es llamado así por su relación de aspecto entre el largo y ancho de la pantalla. Un formato 4:4 sería un cuadrado perfecto donde el largo y ancho de la pantalla son exactamente iguales. En el formato 4:3, el ancho es 25% más corto que el largo de la pantalla, es decir, la película está presentada en un formato rectangular que se asemeja más a un cuadrado. Este estilo es en el que estábamos acostumbrados a consumir programas de televisión porque las pantallas en casa solían ser cuadradas y las pantallas en cine eran rectangulares y alargadas, estilo widescreen. Últimamente varias películas han hecho uso de este recurso de maneras artísticas muy efectivas como en The Lighthouse de Robert Eggers donde se utiliza junto con la fotografía en blanco y negro para generar una atmósfera que recuerda al expresionismo alemán de principios del siglo XX, o en X de Ti West donde la película abre desde el interior de un granero en 4:3 y en forma que avanza la cámara hacia adelante la imagen se expande hasta llegar al formato widescreen al que estamos acostumbrados hoy en día para simbolizar el cambio de los tiempos desde la perspectiva de la dulce y tierna anciana Pearl que protagoniza la película. En el caso de The Whale, tenemos este formato reducido en pantalla para enfatizar la claustrofóbica existencia y la preocupante obesidad mórbida de Charlie, un profesor de literatura que después de una gran tragedia en su vida se ha recluido en su casa y pasa sus días comiendo comida chatarra en exceso a manera de una lenta autodestrucción.
A pesar de su devastadora tristeza y soledad, Charlie mantiene su buen humor y optimismo y trata de enfocarse en los aspectos más positivos y auténticos de las personas. En verdad la actuación de Brendan Fraser es merecedora de toda la expectativa que ha generado, es un papel que se beneficia inmensamente del desbordante carisma que siempre ha presentado este gran actor. The Whale es tan oscura y deprimente como suele ser la filmografía del director, pero irónicamente Fraser es el que se encarga de brindar la ligereza que mantiene equilibrado el tono. La historia se desarrolla en una semana dentro de la vida de Charlie donde es visitado en un principio por Thomas, interpretado por Ty Sympkins, un misionero que por alguna extraña razón se siente comprometido a salvar el alma de Charlie después de que lo encuentra a solas en su sala sufriendo de un ataque de ansiedad mientras ve pornografía. Charlie no está seguro si está sufriendo un ataque de pánico o al corazón pero en caso de estar muriendo le pide al misionero que le lea un ensayo sobre Moby Dick que siempre mantiene cerca por razones que descubriremos conforme avanza la trama. Por fortuna, poco después llega la enfermera Liz (Hong Chau) que se encarga de cuidar al profesor todos los días y en el transcurso de la semana Charlie también es visitado por su hija y su ex esposa, interpretadas por Sadie Sink y Samantha Morton respectivamente. Y es a través de estas visitas que logramos entender un poco más sobre la situación de Charlie, cómo llegó a donde está y hacia dónde se dirige su vida.
Como ya se ha hablado por meses, la actuación de Fraser es sin lugar a dudas magnífica, sin embargo el resto de las actuaciones son muy desbalanceadas. Hong Chau es quien probablemente ofrece la actuación más consistente dentro del resto del reparto, pero Sadie Sink y Ty Sympkins en particular ondulan entre parecer que no lo toman del todo en serio o que lo toman demasiado en serio y se envuelven en un melodrama adolescente del montón. Otro factor que juega en contra de la película es el hecho que todo se desarrolla en cinco días consecutivos, y por lo tanto el desarrollo de personajes se siente un poco forzado. Es difícil creer que en el transcurso de menos de una semana estas personas logren pasar por tanta turbulencia emocional y cambios personales después de una vida de combatir con cada uno de sus conflictos individuales.
Aunque es presentada de una manera muy artística, realmente no hay un gran mensaje que comunicar y varias de las temáticas que se abordan se sienten superficiales y más enfocadas en provocar una reacción emocional en el momento que en explorar a profundidad la condición humana de los personajes. The Whaleno es perfecta, pero en sintonía con su mensaje general de aceptación no tendría por qué serlo. Es una película que va a satisfacer a todos los fans de Brendan Fraser que vitorean con emoción su triunfal retorno, así como a todos los seguidores de Darren Aronofsky, ya que bien pudiera ser el cierre de una trilogía temática junto con The Wrestler y Black Swan. A fin de cuentas, al igual que en esas dos películas, nos presenta la historia de un personaje con una compulsión autodestructiva que puede terminar con su vida de no ser capaz de cambiar su comportamiento.
En los últimos 10 años, Dave Bautista ha demostrado un enorme crecimiento como actor y se ha vuelto una figura carismática con un talento comparable con The Rock, por hablar de actores con trayectorias similares. Sin embargo Dwayne Johnson tiene años en su zona de confort y Bautista, aunque no se puede decir que tenga un rango muy amplio, constantemente busca papeles distintos y logra destacar en cada uno de ellos. Gracias a esto, en esta última década ha trabajado con grandes directores como James Gunn, Denis Villeneuve, y Rian Johnson, por mencionar algunos, y ahora ha sido el momento de trabajar con M. Night Shyamalan, un director igual de famoso pero mucho más controversial. Sí, hasta más controversial que lo que los fans de Star Wars consideran a Rian Johnson. En Knock at the Cabin, Bautista interpreta a un profesor de primaria llamado Leonard, quien es a la vez intimidante y una ternurita de persona. Un papel que le queda como anillo al dedo a este amable gigante musculoso que colecciona loncheras. De verdad eso hace en la vida real, búsquenlo. Leonard, acompañado de otros 3 extraños, ha sido encomendado con una difícil tarea: visitar una cabaña vacacional donde se encuentra una familia y explicarles que el apocalipsis está a un día de suceder y la única manera de detenerlo es que algún miembro de la familia muera a mano de uno de sus familiares. Hasta este momento, la premisa suena relativamente interesante y a pesar de todas las flores que le echo a la carrera de Dave Bautista, cuando puedes con confianza decir que su actuación es lo mejor de toda la película o quizás lo único bueno, sabes que te has encontrado con problemas. Con todo respeto, Sr. Bautista.
No significa que el resto del elenco sea malo, pues al menos Jonathan Groff y Rupert Grint han demostrado actuaciones de gran calidad previamente en teatro, cine y televisión, pero Shyamalan no supo qué hacer con ellos. Después de haber planteado a la familia este imposible dilema de elegir entre matar a uno de sus integrantes o dejar que acabe el mundo realmente no pasa nada más durante la película, solamente tenemos a 7 personas sentadas en la sala de televisión de una cabaña en el bosque tratando de convencerse de si la situación es real o no, y en caso de ser real qué decisión van a tomar. Es como si Cabin in the Woodshubiera sido una película aburridísima y desangelada. No hay ningún tipo de tensión ni desarrollo de personajes y el mensaje que quiere comunicar la película, si es que existe, es demasiado confuso.
Como es característico del director, la película parece tener la intención de predicar sobre algo ambiguo que raya en religioso pero de ninguna religión en particular. En momentos parece que hace alusión a los seguidores de Donald Trump con referencias burdas a Steve Bannon, #pizzagate y QAnon pero no queda claro si lo hace a favor de Trump, en contra o simplemente se hacen referencias al azar para dar la finta de que la película tiene una intención o una temática. A estas alturas me hubiera encantado que hicieran el intento de fingir que la película tenía trama. La familia que vacaciona en la cabaña está compuesta de dos hombres gay que adoptaron a una niña y hay momentos que la película parece inclinarse hacia un mensaje en contra de la homofobia y otros momentos determinantes que parecen inclinarse hacia la homofobia o al menos a darle la razón a los homófobos. Para ser una película del apocalipsis es un desastre de película y no una película de desastres.
Hay momentos donde Shyamalan saca a relucir su Roland Emmerich interno y muestra escenas de destrucción masiva que podrían haber hecho de esto una película mucho más entretenida al menos visualmente, pero todo lo vemos desde una pantalla de televisión dentro de la misma aburrida sala de televisión de la cabaña. Tenía algo de esperanzas de al menos ver algo absurdo y ridículo como The Happening y sus escenas donde las plantas hacen que la gente pierda todo el sentido de preservación. Al menos eso hubiera sido divertido, es difícil ver The Happening sin reír de lo mala que es. Knock at the Cabin ni siquiera es tan mala que es buena, simplemente es mala.
Desde que se anunció la producción de “Quiero Bailar Con Alguien: La Historia De Whitney Houston” me entusiasmó la idea de conocer la versión “oficial” de la vida y muerte de una de las mujeres más incomprendidas de la historia musical. Mis expectativas eran muy altas y lamentablemente el resultado quedó por debajo, más no es una mala película. Nos encontramos ante un entretenido biopic, que sin embargo no llega al fondo de la historia.
Con un energético arranque, la película nos lleva a lo más alto, al viaje que convirtió a Houston en la artista más conocida del planeta, dándole el apelativo de “La Voz”. Desde muy joven, enamoró a todo el mundo con su talento y la coloco rápidamente entre las artistas más grandes de la historia. Lamentablemente su caída fue casi tan rápida como la subida, debido principalmente a su adicción a las drogas, a un matrimonio problemático y a la presión y expectativas de todo su núcleo, sumado al de la opinión pública. La luminaria falleció a los 48 años tras un incidente relacionado con las drogas, final que lamentablemente no sorprendió a muchos.
Evidentemente, este material es suficiente para que Hollywood eche la vista atrás y nos muestre la vida de la artista a lo grande. Si bien, el resultado no es malo, deja por el camino muchas dudas y la sensación de que nunca acaba de escarbar en el alma de la historia.
En 2017, el documental de Nick Broomfield “Whitney: Can I Be Me”, puso al descubierto un lado prácticamente desconocido de Whitney: su bisexualidad. En dicho material se revela cómo Whitney tuvo que ocultar y eventualmente terminar su relación con Robyn Crawford, su mejor amiga y pareja por muchos años. Primero fue la presión de su familia y luego una estrategia de imagen, fue ahí que comenzó a desprenderse de su esencia, para complacer.
Luego fue el documental “Whitney”, del aclamado director Kevin Macdonald el que mostró los conflictos que generó en Whitney el no encajar con su comunidad afroamericana, por acusarla de no enaltecerlos a través de su música y por el otro como nunca fue totalmente aceptada en una sociedad mayormente “blanca”, por estereotipos y racismo generacional.
Pero ambos materiales coinciden en que estos fueron detonantes que arrojaron a la interprete a evadir su realidad con el consumo de drogas, y que incluso su propia familia inducia para tener más y mejor control de su vida y dinero.
En “I wanna dance with somebody” se puede ser testigo de manera ficcionada, desde que es descubierta por quien fuese uno de sus mayores amigos y protectores, hasta su fallecimiento, una película con muchísimo que contar, de ahí que tenemos sus casi dos horas y media de duración), pero que no termina de encajar todas las piezas de forma coherente. Es una sensación extraña, porque la película es larga, pero se notan los cortes de tijera en la historia, las escenas encajadas a la fuerza en la película. Especialmente a partir de la segunda parte de la película, cuando todo empieza a desmoronarse en torno a Houston, con sus relaciones personales siendo destrozadas y con la artista sucumbiendo a las drogas. El guion es correcto, pero no se atreve a profundizar, y se queda a medio camino.
Es el dilema de los biopics. ¿cuidar la imagen del artista o mostrar la realidad sin filtros? No se trata de ir a los extremos sórdidos (como sucedió recientemente con “Blonde”, la biografía ficcionada de Marilyn Monroe) pero si de atreverse a narrar los momentos que nadie quiere narrar. En la película se insinúa veladamente la sexualidad de la artista, de los problemas con su padre, su matrimonio tóxico y mediático y las drogas… pero, por encimita. Nada más. Insisto, no es sordidez lo que busco. Es profundidad. Aquí hay miedo y lo esconden al tratar de exaltar los momentos de éxito de la cantante, pero no justifica jamás sus motivos autodestructivos. Por eso es por lo que el filme falla.
Hay que resaltar el sensacional trabajo de Naomi Ackie quien sabe que imitar la voz de Houston es imposible, por lo que la mayoría de la película usa en sus canciones la voz original y no la de la actriz. Pero el resto del metraje, la Ackie sabe pasar por un enorme rango de emociones para dar vida al personaje. Desafortunadamente, cuando llega la etapa madura, la actriz tiene 31 años, no 48, y se nota.
En conclusión, nos encontramos ante un biopic con un sólido reparto, quizá visualmente se siente como si fuera un telefilme, pero con cierta fuerza en la historia y un par de grandes ideas, no las termina de desarrollar, pero lo intenta al menos. Lo mejor, la representación completa de algunos momentos musicales importantes en la carrera de Whitney y disfrutar de su voz con el volumen y potencia que sólo una sala de cine nos puede brindar. Sólo por eso volvería a pagar con entusiasmo el boleto.
The Fabelsman es una película co-escrita por Tonny Kushner, dirigida y escrita por Steven Spielberg, musicalizada por John Williams y cuenta con la participación de Michelle Williams, Paul Dano, Gabriel LaBelle y David Lynch.
Los Fabelsman narra la historia de Sammy un joven que de niño quedó enamorado del cine. Armado con una cámara, buscará cumplir su sueño de volverse un cineasta mientras enfrenta los conflictos internos de su familia y de crecer.
Siempre ha sido oportunidad de diálogo la forma en la que el contexto de un/a artista afecta en sus obras y a decir verdad, el caso de Spielberg no es la excepción. La filmografía de Spielberg es conocida por ser diversa en sus géneros, ideas y propuestas. Sin embargo, es mediante esta película que remarca una sus características más recurrentes: Lazos familiares rotos. La trama de Sammy se vuelve una salida de Spielberg para abordar temas más complejos y personales como el divorcio de sus padres o el sacrificio que implica dedicarse al arte.
A pesar de que todo lo anterior pudiera prestarse a la grandilocuencia, presunción biográfica y la crítica a los estilos de crianza. Spielberg crea un filme totalmente contrario a todo lo anterior, la dota de un realismo y amor tan grande que se vuelve casi imposible mantenerse ajeno a las situaciones de los personajes. Desde el desconcierto, la duda, la pasión y el entendimiento es que uno de los más grandes directores de nuestros tiempos dirige una carta de comprensión y perdón a sus padres.
Las actuaciones son increíbles, en especial las de Michelle Williams y Paul Dano. Al igual que su música y sobre todo su guion.
Los Fabelsman es sin lugar a duda una película estrella más en la larga y destacada filmografía de su director.
Crecí amando Miramax, su cine, las grandes estrellas, actores y actrices que surgieron de decenas de películas que elevaron mi fervor por el celuloide.
En los 90’s no sólo se convirtió en la ventana más importante para la distribución de cine independiente en Estados Unidos con títulos como Juego de Lágrimas (The Crying Game, 1992), El Piano (The Piano, 1993), ¡Átame! (1989), sino que, luego de ser adquirida por The Walt Dinsey Company en 1993, se convirtió en el estudio líder en obtener nominaciones a los Premios de la Academia por sus lanzamientos, muchos de los cuales resultaron en premios Oscar.
La década de los 90’s no sería la misma sin Pulp Fiction, Criaturas Celestiales, Shakespeare in Love, Scream y decenas de memorables títulos. Directores magistrales como Robert Rodriguez, Gus Van Sant, Quentin Tarantino, Peter Jackson o Steven Soderbergh lograron ganar el lugar que ocupan hoy, gracias a la oportunidad que Miramax les dio.
Pero detrás de este emporio de consolidación cinematográfica está un nombre: HARVEY WEINSTEIN. Para mí, ver su nombre era sinónimo de calidad y vanguardia.
Jamás hubiera imaginado la porquería detrás de ese estudio, de ese hombre y el precio del silencio de decenas de mujeres (desde personal administrativo hasta las grandes estrellas de Hollywood).
“Ella dijo” es la adaptación cinematográfica del libro del mismo nombre, publicado en 2019 por Jodi Kantor y Megan Twohey y que relata todo el proceso de su investigación realizada en el New York Times y que expuso la historia de abuso y conducta sexual inapropiada de Harvey Weinstein contra muchísimas mujeres. Carey Mulligan y Zoe Kazan encarnan de manera magistral (nominación segura a los Oscar) el proceso que emplearon para investigar y descubrir décadas de abuso de poder.
El filme retrata desde una perspectiva femenina (sin ser feminista), como es que la sociedad ha normalizado el machismo y que en gran parte de los sectores (incluido uno lleno de glamour como es el del cine), las mujeres callan por miedo. Afortunadamente desde hace unos años se ha ido rompiendo, y mucho es consecuencia a este escándalo mediático que tiene alcances de proporciones enormes. Las acusaciones sirvieron como catalizador para el movimiento #MeToo y finalmente dieron como resultado que Weinstein fuera sentenciado a 23 años de prisión.
La película ha sido estrenada en diferentes festivales del mundo y ha recibido principalmente criticas favorables, y es que, además de sus interesantes valores de producción, dirección y edición, se da el lujo de incluir a mujeres reales representándose a ellas mismas, ya sea en presencia en pantalla, como es el caso de Ashley Judd, que fue nombrada en 2017 como Persona del año por la revista Time, por ser una de las primeras celebridades valientes que denuncio a Harvey Weinstein. Otra presencia interesante es la de Gwyneth Paltrow, que participa con su voz en momentos clave de la trama, transmitiendo con estos elemento un realismo casi documental al filme.
Recomiendo ampliamente no perderse “Ella dice”, un filme incomodo, elegante pero muy necesario.
DreamWorks Animation nos trae una nueva aventura del Gato con botas, el forajido que ha logrado crear una marca y estilo propio. Bajo la dirección de Joel Crawford, Trolls Holiday, The Croods, quien cuenta con amplia experiencia como guionista en películas como Bee movie y Kung fu panda, nos presenta una historia extraordinaria, increíblemente bien ejecutada y un arte maravilloso.
En esta ocasión veremos como Gato se acerca al final de su carrera, derivado de los excesos con los que ha vivido hasta ahora, se presentan sus consecuencias. Un giro inesperado que te lleva a pensar que cuando las cosas están dadas, siempre surgen opciones sobre las cuales deberás decidir, y el resultado siempre depende como lo afrontes, especialmente si tienes un mapa que adapta el camino según quien lo porte. Veremos el regreso de Kitty patitas suaves, y algo de la historia no contada entre estos dos, conoceremos nuevos compañeros que ayudaran a nuestra pareja de gatos a entender la vida desde otra perspectiva. Con la misión de encontrar una estrella capaz de conceder un único deseo, tendremos una carrera frenética entre varias partes, cada uno buscando cumplir su sueño.
Los villanos de nuestra historia, fascinantes extremadamente carismáticos, cada uno con motivos completamente diferentes que pondrán la emoción y en más de una ocasión, el temor en cada escena, uno de ellos uno de ellos imposible de vencer, incluso en la vida real. Por la parte de la animación, es simplemente impresionante, algunas secuencias de luchas dignas de videojuegos épicos (GOW), secuencias de cámaras que dan una fluidez que se agradece y se aprecia. Los personajes impecables, algo a lo que nos tiene acostumbrados DreamWorks, con una pequeña diferencia, algo que me tomo un tiempo identificar, los fondos, impactantes, como estar viendo una película sobre una pintura, donde si pones atención podrás incluso notar algunas pinceladas. Esta parte le da un impacto visual muy agradable y lindo, la innovación en la mezcla de estilos y el arte siempre refresca la experiencia.
Como parte del elenco tenemos al inigualable Antonio Banderas (no podía faltar), quien se encarga del doblaje al español e italiano, Salma Hayek, Olivia Colman, Harvey Guillen, entre otros y en su versión en español tenemos a Veronica Lopez Treviño, Julieta Nair Calvo, Pisano y Faisy.
Sin duda, una de las mejores películas del año, no encontramos algún punto de crítica, en la historia, la narrativa, la animación, la música, el ritmo, el mensaje… la conclusión, tenemos un todo completamente redondo.
Después de la pandemia, los característicos y amados personajes de 31 minutos regresan de nuevo en grande con su presentación en el Auditorio Telmex.
El pasado 27 de noviembre, Tulio Triviño, Juan Carlos Bodoque, Juanin, Patana y sus amigos regresaron a Guadalajara por segunda vez después de la pandemia listos para desearle una calurosa navidad a sus fans.
La sinopsis de la función es la siguiente: Al llegar la navidad a la ciudad de Titirilquén el noticiero de 31 minutos se prepará para festejarla con todo su esplendor. Para lograrlo Bodoque será el encargado de traer los regalos para todos, sabiendo que si no lo cumple arruinará la navidad de sus amigos.
Para los fans acérrimos al noticiero chileno, les sonará familiar esta sinopsis pues es la misma que el especial de navidad que presentó el programa a inicios de su segunda temporada. Sin embargo, no todo es igual a este capítulo. Los creadores de 31 minutos se toman la libertad de hacer un show repleto de canciones clásicas, no tan clásicas del noticiero y alguna que otra nueva para hacer homenajes a AC/DC, John Lennon, Juan Gabriel y comentarios sobre el mundial de Qatar, vuelven este show un espacio entretenido para pequeños y grandes.
Como siempre, el show chileno no decepcionó a sus fans y trajo consigo mucha alegría al Auditorio Telmex, enamorando a nuevas como viejas generaciones cerrando de manera espectacular su gira por el país.
.jpg)
