Una de las películas más esperadas desde que se dio a conocer la noticia de que Disney compraba Fox y también quizá la que más dudas tenía respecto a si Disney respetaría el humor negro, ácido y violento de este personaje.
Puedo decirles tres cosas sin spolearles esta tercera entrega:
1 Disney no solo respeta sino que le pone esteroides a lo que hace Deadpool ser Deadpool.
2 Trata por todos los medios posibles no espolearte, el trailer no nos entregó absolutamente nada y te permitirá sorprenderte y vivir la película al máximo
3 Si eres muy fan del MCU, llévate pañal.
La película cuenta con una escena poscréditos literalmente hasta el final, para que te quedes cómodamente en tu asiento. Te recomendamos no abusar de las bebidas por que es una película larga y no hay un solo momento en el que no esté pasando algo, por lo que ir al baño te significará perderte de algún cameo, una parte de la historia o un chiste de esos que se vuelven canon desde que se dicen.
Por último hazte un favor y vela en la pantalla más grande posible, definitivamente es una película para verse por primera vez en el cine.
Deadpool no solo cumple, sobrepasará tus expectativas, te reirás muchísimo, gritarás un montón de veces y pasarás 2 horas muuuuuy divertidas.
PD. Es clasificación C, aunque debió ser R. No te recomendamos ir con niños bajo ninguna circunstancia.
“Una carrera al espacio entretenida y con personalidad, pero no sobresaliente”
La otra cara de la Luna es una película dirigida por Greg Berlanti (Love Simon, 2018) y escrita porRose Gilroy, hija del guionista y director Dan Gilroy (Primicia mortal, 2014) que narra el histórico alunizaje del Apolo 11, en 1969. Llamadas para mejorar la imagen pública de la NASA, la prodigio del marketing Kelly Jones (Scarlet Johansson) y su asistente causan estragos en la ya difícil tarea del director del lanzamiento Cole Davis (Channing Tatum). Cuando la Casa Blanca considera que la misión es demasiado importante para fracasar, Jones recibe la orden de simular un alunizaje falso como respaldo, comenzando la verdadera cuenta atrás.
Una de las cosas que sin lugar a dudas destaca es el diseño de producción, los vestuario se percibe muy acorde a la época y a las personalidades de los personajes, pero lo que más sobresalió para mi son las escenografías. Desde una cafetería hasta los hangares de la NASA, los espacios que acompañan las película se perciben muy acorde a la época y realistas sobresaliendo los angares de construcción del cohete. Además de bien acompañado de una fotografía que sabe mostrar sus espacios y acompañar su historia.
En lo que respecta a la trama de la película el guión es bastante acorde al resto de las historias típicas de romance, el típico hombre serio y cerrado que empieza a abrise ante una mujer astuta y atrevida, que no representa ninguna novedad. Lo interesante de la película es su personaje principal Kelly Jones quien tiene un carísma y astucia que atrapan a los espectadores, así como una forma de pensar que hará dudar a más de alguno. Todo lo anterior acompañado de una buena actuación de parte de Scarlet Johansson.
A pesar de la buena actuación de su protagonista, un buen diseño de producción y el montón de referencias hacia uno de los eventos más importantes en la historia de la humanidad, la película no termina de sobresalir por sucesos forzados o coincidencias que no logran resultar convincentes del todo.
Al final, La otra cara de la Luna resulta una película entretenida, muy buen producida y con actuaciones notables, sin embargo son ciertos momentos forzados que no terminan de cerrar bien la película. Aun así, es una película muy divertida para introducir a alguien al mundo de la astronomía y disfrutable para pasar el rato a carcajadas y suspiros. Si te quedan dudas de verla o no, sólo queda decir que cuenta con Garantía Cinépolis.
“Un lugar en silencio: Día Uno” nos lleva de nuevo al aterrador universo donde el silencio es la única forma de supervivencia. Este nuevo capítulo nos transporta al momento exacto en que el caos estalla, ofreciendo una perspectiva fresca y emocionante de los orígenes de la invasión.
A diferencia de las películas anteriores, que se centraban en la supervivencia en un mundo ya invadido, “Día Uno” profundiza en el inicio del caos. Nos muestra el momento en que la invasión comenzó, ofreciendo una nueva perspectiva sobre cómo se desarrollaron los eventos.
La trama sigue a una chica que lucha por sobrevivir mientras el mundo se desmorona a su alrededor; la protagonista desempeña un papel crucial en la narrativa, proporcionando una perspectiva humana y emocional a la historia del inicio del caos. A lo largo de la película, la protagonista establece una conexión emocional profunda con el público. Sus luchas, miedos y sacrificios son palpables, haciendo que el espectador se sienta vinculado a su viaje personal. Esta conexión emocional añade una capa de profundidad a la narrativa, haciendo que cada decisión y acción tenga un peso significativo.
Las actuaciones son impecables, con un elenco que transmite de manera convincente el miedo, la desesperación y la determinación. La dirección mantiene un ritmo implacable, combinando momentos de intensa acción con pausas llenas de suspenso que te mantienen al borde de tu asiento de principio a fin
El diseño de sonido, nuevamente, es una obra maestra. Cada crujido, susurro y ruido ambiental está diseñado para sumergirte completamente en esta experiencia auditiva única. La película aprovecha el silencio no solo como un elemento de la trama, sino como una herramienta para crear una tensión constante.
“Un lugar en silencio: Día Uno” no solo expande el universo que ya conocemos, sino que también profundiza en el impacto emocional y psicológico de vivir en un mundo donde el más mínimo sonido puede significar la muerte. Es una montaña rusa de emociones que te deja reflexionando mucho después de que las luces del cine se encienden.
Si disfrutaste de las entregas anteriores, esta precuela es una visita obligada. Y si eres nuevo en esta franquicia, “Día Uno” es una excelente introducción a un mundo donde el silencio es oro.
No te pierdas esta experiencia cinematográfica única que redefine el género del thriller y el horror.
“El Club de los Vándalos” dirigida por Jeff Nichols, es una exploración cautivadora del ascenso y la caída de una pandilla de motociclistas del Medio Oeste de los años 60, conocida como los Vandals. Inspirada en el libro de fotografías de Danny Lyon de 1967 con el mismo nombre, la película profundiza en temas de rebelión, amistad y la búsqueda de la libertad en la carretera abierta.
La película cuenta con sólidas actuaciones de su elenco, en particular Tom Hardy, Austin Butler y Jodie Comer. Hardy interpreta a Johnny, el fundador del club, con una mezcla de dureza y vulnerabilidad, capturando el espíritu contradictorio de un hombre que busca propósito en su vida. Butler, por su parte, da vida a Benny, un joven rebelde cuya atracción por las motos es tan intensa como autodestructiva.
Kathy, interpretada por Jodie Comer, es la esposa de Benny, uno de los miembros principales de los Vandals. Kathy es una figura central en la narrativa de Vandals y su relación con Benny proporciona una perspectiva íntima y emocional sobre el impacto del crecimiento y la evolución del grupo de motociclistas
Al principio, Kathy se siente atraída por el espíritu rebelde de Benny y la libertad que representa su vida en el club. Sin embargo, a medida que los Vandals crecen y se vuelven más notorios, la naturaleza violenta y autodestructiva de la pandilla empieza a afectar su relación y su vida personal. Kathy, consciente de los peligros y las tensiones que se desarrollan dentro del grupo, lucha por mantener su matrimonio y proteger a Benny de los efectos negativos del estilo de vida motociclistas. Ofreciendo una representación auténtica de una mujer atrapada entre el amor por su esposo y el peligroso mundo en el que él habita
Las consecuencias del crecimiento del grupo incluyen una escalada de violencia y conflicto interno, así como la infiltración de individuos que buscan poder más que amistad. Este cambio en la dinámica del club pone a prueba la lealtad y la seguridad de todos los involucrados.
La película está bellamente filmada en 35mm y se captura la esencia de la época sin caer en una recreación fetichista del pasado. Nichols utiliza el escenario y el período para explorar uno de sus temas recurrentes: las personas que luchan desesperadamente por aferrarse al amor y la identidad
“El Club de los Vándalos” evita una nostalgia simplista y en su lugar ofrece una mirada matizada y agridulce sobre la cultura motociclista y los cambios sociales de la época
“Maxxxine” emerge como la culminación esperada de una trilogía cinematográfica que ha dejado huella en la pantalla grande.
Ambientada en los turbulentos años 80, específicamente durante la era de Richard Ramírez en Los Ángeles, la película utiliza magistralmente este contexto cargado de temor para tejer una narrativa intensa y absorbente.
El brillante desarrollo del personaje interpretado por Mia Goth es uno de los pilares de esta entrega final. Goth no solo captura la complejidad emocional de su personaje, sino que lo transforma gradualmente a lo largo de la trilogía, desde sus inicios hasta esta etapa culminante. Su actuación es matizada y convincente, llevando al público a empatizar y, a veces, a temer por su destino.
La trama de “Maxxxine” se desarrolla con una simplicidad aparente, pero su ejecución es magistral. La historia fluye con una dosis perfectamente dosificada de gore, manteniendo a los espectadores en vilo y entregándoles momentos de suspense y sorpresa. Cada giro narrativo está cuidadosamente construido para mantener el interés y el impacto emocional.
Uno de los aspectos más destacables de la película es cómo cada personaje obtiene su merecido. La trama se desenvuelve con una lógica interna que hace que las acciones y decisiones de los personajes, tanto principales como secundarios, tengan consecuencias significativas.
Esta coherencia contribuye a una sensación de satisfacción narrativa, donde cada arco argumental se cierra de manera convincente. La ambientación en los años 80 se revela como un acierto crucial.
El telón de fondo de Los Ángeles en medio del terror causado por Richard Ramírez añade capas adicionales de tensión y suspense a la historia.
La dirección y la cinematografía capturan de manera efectiva la atmósfera ominosa de la época, sumergiendo al espectador en un entorno donde el peligro acecha en cada esquina.
En resumen, “Maxxxine” no solo sirve como la última pieza de una trilogía, sino que también se destaca como una obra independiente que combina una narrativa sólida con una ejecución técnica impecable. Es una película que, con su habilidad para mantener al público entretenido y absorbido, se posiciona como un ejemplo destacado del cine de género contemporáneo.
Los extraños: Capítulo 1 es una película intermitente entre momentos de buen suspenso y fracasos narrativos. Pudiera ser el inicio de una franquicia interesante… O no.
Con el objetivo de ampliar la historia de las películas anteriores y de presentar la franquicia a nuevas generaciones el director Renny Harlin (Duro de Matar 2, 1990) y Lionsgates traen a cines Los Extraños: Capítulo 1 la cual narra la historia de Maya (Madelaine Petsch, Cheryl Blossom en Riverdale) y Ryan (Froy Gutierrez) una joven pareja debe pasar la noche en una cabaña remota al averiarse su automóvil en un pequeño y extraño pueblo. Esa misma noche, tres desconocidos que ocultan el rostro bajo máscaras espeluznantes los atacan sin piedad.
Según el anuncio en agosto del 2022 realizado por el productor Roy Lee, esta sería la primera entrega de tres. Para ser el inicio de este proyecto a largo plazo, da pasos tambaleantes que nos hacen dudar sobre el futuro de esta franquicia.
Antes de entrar en pánico, la película tiene puntos buenos que la vuelven entretenida y rescatable. Considero que los protagonistas están bien planteados pues a lo largo de la película toman decisiones – en su mayoría- sensatas, además de tener cierto carísma entre ellos, logrando que empatizes con ellos. Complementario a esto las actuaciones de Madelaine y Froy son creíbles como bien ejecutadas. Todo lo anterior sumado a un buen montaje genera escenas de suspenso que si generan tensión en los espectadores, uno de los puntos principales de las peículas de horror.
Sin embargo, los momentos en los que las decisiones no son congruentes estas llegan a ser sozas, causando que den más risas que tensiones en realidad. Además de eso, el objetivo por la cuál se empezó a realizar esta película – amplear la historia de las películas anteriores – no aporta como tal algo nuevo o diferente a las películas anteriores. No se explica nada más del transfondo de los Extraños, ni del por qué de su actuar. Es por eso que la película se tambalea entre un vayven de momentos de tensión y suspenso contra momentos burlezcos y absurdos.
En lo personal, creo que el valor de esta película por si sola no es mala, pero tampoco es buena. Quizás entraría en esas películas que algunos llaman “De camión”, es decir: suficientemente interesante para llamar tu atención, pero si tienes algo mejor que ver… puede que no te llame tanto. Ahora sólo queda esperar al resto de películas para saber si será una franquicia interesante o no.
Aprender a dejar ir es sin duda uno de los retos más grandes para cualquiera; DreamWorks hace una analogía perfecta sobre una de las decisiones más grandes que los directores de una saga deben tomar: dejar que los personajes evolucionen con la historia.
Nos hemos acostumbrado con tantos ejemplos a que las sagas decaen con cada entrega que cada que una historia sobre pasa la trilogía damos por sentado que será mala. Sin embargo Kung Fu Panda es para mi la mejor entrega de toda la saga. La historia sigue con la receta que ha funciona en las películas anteriores al agregar complejidad y capas a la misma historia una y otra vez.
Esta película muestra que vale la pena esperar con tal de entregar una película que supere a la anterior. Con decisiones valientes como dejar fuera a muchos personajes icónicos en los primeros tres largometrajes y agregar personajes totalmente nuevos, le da un aire de frescura y nostalgia bastante interesante que permiten la construcción de pilares que puedan soportar las siguientes entregas de esta saga, resultando en una historia entrañable, profunda y llena de mensajes trascendentes para niños y adultos.
El doblaje es excelente, con un Omar Chaparro apropiado del personaje y un soundtrack que que solo Jack Black puede construir. Sin duda una película que vale la pena ver en la pantalla grande.
Hay cosas que no necesitan de apresurarse. Tomarse él tiempo de apreciar algo, por más pequeño que sea, es una habilidad que en ocasiones se necesita. Dar atención a los detalles nos sirve para que cualquier situación se vuelva única, especial e irrepetible. Y creo exactamente que eso fue lo que hizo Denis Villeneuve con Dune Parte 2, y me atrevería a decir que lo tenía preparado desde su primer entrega.
En el 2021, cuando esta interpretación de la historia de Frank Herbert, llegó a las pantallas de los cines, veníamos apenas terminando con una época difícil para el cine. El hecho de ir a una sala a ver una cinta nueva es algo que cambió radicalmente. El streaming había hecho que muchas personas prefirieran esperar un poco para ver los estrenos en la comodidad de sus casas. El hecho de que la primera parte recaudara más de 400 millones en taquilla, superando por un poco lo invertido en ella, aseguraba su continuidad.
Dicho segundo capítulo llega hoy a las salas de los cines y puedo decir cómodamente que sin dudas es mejor que su predecesora. Se nota que Villeneuve tomo mucho de la anterior adaptación de la película, del material que iba a corresponder a la ya mítica versión de Jodorowsky al igual que de la novela de Herbert. Prestó atención a cómo llevar a cabo una continuidad muy entretenida, a diferencia del tiempo que se tomó en hacerlo en su primera parte, pues desde que inicia la cinta se nota que el ritmo es otro.
Es como si la primer parte sirviera como un appetizer para darnos un poco de hambre de más y esta vez llegara con un plato más grande. Si bien estas dos películas abarcan solo el primer libro de la novela, promete que la tercer entrega será más épica y grande que las dos ya existentes. Se sobrentiende por qué quiere tomarse el tiempo de planearla muy bien.
Al igual que la primer entrega, cualquier frame, y de verdad lo digo – cualquiera – puede ser tomado y serviría de una magnífica fotografía que podría colgar en cualquier parte de tu casa. En lo músical, a título personal, agradezco que haya menos leitmotivs sonando para dejarnos claro a qué personaje pertenece, pero se entiende ya que en esta ocasión el uso es muy preciso y suena cuando de verdad tiene que sonar, incluso en tonos muy suaves en ocasiones.
Las actuaciones de todos son buenas, sin embargo le doy un punto extra a Austin Butler ya que su personaje impone desde la primer escena. Al igual con Florence Pugh, la manera de narrar de su personaje me parece de lo más preciso que se ha decidido para la película. Quisiera tener un punto negativo pero solo he tenido la oportunidad de verla una vez, quizá en otros visionados tenga una actualización sobre si tiene algún punto negativo más notorio, pero en esta primera vista puedo decir que si te gustó la primer entrega, esta te dará más y distinto, más y mejor. Sin embargo, si la primer cinta fue dificil para ti, no la terminaste o simplemente no te gusto, pues puedes checar otras cosas ¿No?
No te digo que es un imperdible, pero sí eres fan, corre, si te gustó un poquito, corre a verla.
Protagonizada por Eugenio Derbez, “Radical” es una película basada en hechos reales donde se narra la historia del profesor Sergio Juárez, quien fuera profesor de la secundaria José Urbina López ubicada en Matamoros, Tamaulipas en una zona fronteriza donde abunda la violencia, marginación y desigualdad.
A través de un método innovador y radical, el maestro Juárez hace que sus alumnos tomen conciencia sobre lo aprendido en las aulas y desarrollen sus capacidades y talentos personales y así romper con la apatía que por las condiciones sociales reinaba entre los niños y niñas. Es ahí donde aparece Paloma Noyola, quien a pesar de sus situaciones familiares y sociales logra ser el mejor promedio a nivel nacional en la prueba ENLACE 2012 y fue considerada por la revista estadounidense Wired como la siguiente Steve Jobs en el año 2013. Din duda un caso de éxito de este método que rompe con todo lo tradicional y los moldes que se han impuesto en el tema de educación.
La película es un verdadero carrusel de emociones donde el espectador tiene la oportunidad de conocer estas historias que son dignas de ser contadas y de pasar de la risa, a la reflexión, al llanto y al enojo en cuestión de minutos pero siempre con la pregunta ¿Qué hubiera hecho en su lugar?
Sin lugar a dudas “Radical” es una cinta que merece ser disfrutada en la pantalla grande y que deja grandes reflexiones en el espectador.
Para los fans del universo de El Conjuro, el anuncio de una segunda parte “Spin off” de uno de los personajes más aterradores, no emocionó tanto y es que la primera parte de “La monja” dejó mucho qué desear.
Por fortuna, esta segunda entrega es por mucho, una experiencia mejor que su predecesora y es que desde que comienza, lo hace con ese tono “Wan” que tanto nos encantó por allá en el 2013.
Llena de momentos en silencio que nos llevan a sombras y rincones de donde estamos seguros saltará el mal, “La monja 2” tiene especiales secuencias en donde saltarás bastante de tu asiento.
Michael Chaves, quien dirige esta macabra aventura, ha sido responsable de otras entregas de la saga de El Conjuro como “La maldición de la llorona y El conjuro 3” y nos ha dejado claro que comprende el verdadero tono en que estas películas deben de ser rescatadas.
La monja 2, trae de vuelta al demonio Valak, pero créanme, mucho más aterrador, imponente y poderoso, tanto que cada escena en la que aparece, te arrancará un buen salto y susto.
Al terminar, aguanta un poco ya que hay una escena a medios créditos que te gustará.
