Mucho se ha discutido sobre cómo deben ser los live action, si deben ser idénticos a sus versiones animadas, si se permiten los cambios en la historia o si requieren ser adaptados a contextos más actuales para que sean atractivos para las nuevas generaciones.
Disney ha apostado por este formato en muchos de sus clásicos justo experimentando en ambos lados, hacerlo lo más fiel posible como el Rey León y permitirse llevar la historia hacia otro lado como Aladdín; en la gran mayoría de los casos el resultado fue el mismo: un fracaso.
Lilo y Stitch es la respuesta a esa pregunta: la esencia de los personajes debe ser la misma. Desde el minuto uno en este live action sientes que estás viendo al Stitch de hace 20 años y la Lilo que siempre conocimos, solo diferente.
Esta entrega se siente como aire fresco para este tipo de formatos marcando un poco la pauta de cómo debe hacerse y es que están presentes lo diálogos y chistes con los que crecimos y nos sabemos de memoria pero también hay nuevos que caen perfecto porque los personajes tienen la misma esencia.
Lilo y Stitch es una película que te hará reír y llorar muchísimo, pero sobre todo suspirar uno y otra vez recordando tu infancia. Definitivamente es una película que hay que verse en cine.
No es de sorprenderse que Disney ya esté trabajando en la segunda entrega de este live action que seguramente será una locura en la taquilla.
✍️ Por un fan que ahora desconfía de todo objeto cotidiano.
Después de más de una década sin ver a la mismísima Muerte en acción, Destino final: Lazos de sangre llega como una brisa fresquita en pleno verano sangriento. Y no exagero: esta nueva entrega es justo lo que necesitábamos quienes crecimos mirando con morbo (y un poco de culpa) cada accidente mortal imposible que esta saga nos ha regalado.
La película no solo cumple, honra y se divierte con el legado de la franquicia, sino que lo hace con una frescura que te recuerda por qué nos enamoramos del caos inevitable en primer lugar. Las muertes, como dicta la tradición, son el plato fuerte: brutales, sangrientas, y sí, puede que no tan enredadas como en otras entregas, pero su simpleza engaña. Porque cada una de ellas te hace retorcerte, gritar, y luego reír de lo absurda que fue la forma en que alguien volvió a morir por una pajilla o una bisagra mal puesta.
Y para quienes llevamos la saga tatuada en el corazón (o en la carpeta de DVDs), Lazos de sangre es un buffet de referencias, guiños y fan service de la mejor especie. No es solo nostalgia, es un tributo amoroso a todo lo que nos hizo mirar con miedo a un ventilador de techo.
¿Lo mejor? Te deja con la esperanza (y el deseo desesperado) de que esto no sea un punto final, sino una nueva racha. Porque si la muerte no descansa… los fans tampoco deberíamos.
Póntela, disfrútala y luego evita todo lo que te rodea
“Hecha para degustar de manera lenta y atenta. The Alto Knights no es para cualquiera”.
Dirigida por Barry Levinson (Buenos días Vietnam, 1987), escrita por Nicholas Pileggi (Goodfellas, 1985) y protagonizada por Robert De Niro y James Ciccone, llega a cines The Alto Knights. Una película que narra el choque y pelea entre Vito Genovese y Frank Costello, dos de los más grandes jefes de la mafía en Estados Unidos durante los años 50´s.
Uno de los aspectos más llamativas de la película es su elenco y equipo técnico, pues son personas que han participado en películas que se han catapultado en la historia del cine. ¿Pero eso es suficiente para hacer una buena película?
Alto Knight es una película que no es una mala película, pero tampoco es una película inolvidable. Por desgracia, lo que evita que esta película llegue a destacar recae en los aspectos técnicos de la película.
La forma en la que es narrada la historia es inconsistente y tediosa. El inicio es impactante y llamativo, pero a los pocos minutos se mete en una maraña de contexto y presentación de personajes que la vuelve tediosa. A consecuencia de esto, te da la sensación de que si parpadeaste o no captaste alguna frase entre el mar de diálogos que existen en la película, pierdes contexto de lo que sucede y sea más difícil poder seguir el hilo de la historia. Además de eso, el recurso del montaje que brinca entre talking heads de De Niro en diversos escenarios no termina de encajar con el estilo del resto de la película.
Todo lo anterior es una lástima, pues la película tiene destellos que la vuelven llamativa e interesante. Tal es el caso de escenas como la de la barbería, así como las actuaciones de James Ciccone y Cosmo Jarvis, claramente acompañados de Robert de Niro.
The Alto Knights es una película inconsistente en su técnica que tiene momentos de brillantes, que podrá valer la pena, para todos aquellos que se animen a sortear su maraña de diálogos e inconsistencias y logren llegar a la segunda mitad de la película.
“En una racha donde las biopics musicales no despegaban, Un completo desconocido viene a ser una brisa fresca en medio de una sequía”.
Co-escrita por Jay Cocks (Silencio,2016) y James Mangold (Logan, 2017 y Ford vs Ferrari, 2019), dirigida por este último, protagonizada por Timothée Chalamet y basada en el libro Dylan Goes Electric! de Elijah Wald, Un completo desconocido llega a los cines para retratar la trayectoría y vida personal de Bob Dylan desde sus primeros años en la música hasta su polémica presentación en el Newport Folk Festival de 1965.
La película tiene varios aspectos que valen la pena destacar como la buena actuación de Timothée Chalamet, así como las actuaciones de Elle Fanning, Edward Norton, Monica Barbaro y Boyd Holbrook. Además de eso, la película suele avanzar de manera fluida, esto gracias a su montaje y la estructura de su guión. Sin embargo, es ahí en el guión dónde encuentro el único detalle de la película.
A lo largo de esta vamos conociendo a Bob Dylan desde sus inicios, hasta llegar a uno de sus momentos más polémicos en el festival de Newport. En todo ese recorrido entendemos sus motivaciones, sus inspiraciones, su complicada vida amorosa, como su visión del mundo y de las propias canciones. A pesar de todo lo anterior, justo en los momentos casi finales de la película, momentos después de que Bob se viera confrontado or su legado y sus propio estilo de vida, como de ideología (tanto en su aspecto personal, como su imágen como artista), pareciera que estos no terminarán de profundizar en el cantautor, no se percibe alguna reflexión o cambió y tampoco se termina de justificar el porqué pareciera no afectarle. Quizás en un futuro tendría alguna repercusión en la vida de Dylan, pero aquí en la película no se profundiza y es ahí es donde encuentro el problema.
De ahí en más, el diseño de producción reproduce de manera increíble y estética la época. La fotografía aunque no es muy propositiva, es bastante estética y cuidada. También las canciones cantadas por Chalamet son excelentes, y si eres un fan de la música de Bob Dylan probablemente te la pases cantando las canciones.
En general, Un completo desconocido es una buena película (con sus detalles), pero al final una buena película.
A todos los que nos tocó crecer viendo el Gladiador y tuvimos la oportunidad de verla en la pantalla grande creo nos dio más miedo que emoción cuando se anunció una segunda entrega. Si bien el que sea el mismo director y el cast en papel/nombres era bueno, siempre está presente el “no lo vayan a cagar por favor”.
2 horas y treinta minutos conforman esta tan esperada secuela de una de las películas que se volvió de culto en las últimas décadas y de la cual puedo compartirte las #10deTiempoLibreGDL :
1. Un gran acierto es iniciar justo donde terminó la primera, los minutos iniciales Ridley Scott logra enchinarnos la piel y emocionarnos recordando partes de la primer película que la hizo ser memorable.
2. Conforme avance la película la historia empieza a sentirse extrañamente familiar, a tal grado que lo que viene se vuelve predecible y es que el director intentó cuidar tanto su correlación con la primera que se vuelve en mucho el mismo camino.
3. Hay muchas escenas que están fuera de lugar y claramente no eran necesarias, sin spoilers (aparece en los trailers), el que haya tiburones en el coliseo se sintió como cuando en rápido y furioso fueron al espacio… nos queda claro que no es un documental, pero really bro?
4. La trama no agrega mucho más de lo que se nos dejó ver entre líneas en la primer entrega y con el avance del trailer, fue un poco frustrante saber en todo momento cuando venían los “giros de tuerca” en la trama.
5. Aunque es una película larga, el ritmo es muy bueno y las escenas de acción lo suficientemente constantes como para disfrutar toda la película.
6. Al final la película se siente apresurada, recuerdan esa sensación de la última temporada de Game of Thrones que parece que le pusieron nitro para terminar la historia; pues igual. El desarrollo de la historia es muuuuy elaborado y el desenlace sucede en 5 minutos.
7. El soundtrack es tan hermoso como el de su antecesora.
8. Hay muchos easter eggs a lo largo de la película, si eres fan estarás muchas veces reinterpretando el meme de Leonardo Dicaprio señalando el televisor de un montón de referencias a la primera entrega.
9. No tiene escena poscréditos.
10. Es una película que definitivamente debe verse solo con la intención de dominguear si esperas una secuela a la altura de la primera la pasarás muy mal.
Te recomendamos volver a ver la primer entrega antes de ir al cine a ver la secuela, hay un montón de referencias que dan por sentado que tienes frescas y la trama no las explica por lo que tenerlas presentes te ayudará a entender y disfrutar más la película.
En resumen, ¿vale la pena verla en el cine? sin duda alguna y en la pantalla más grande que puedas; ¿va a volverse memorable como su antecesora? definitivamente no; ¿es una secuela digna?, tampoco; ¿habrá tercera entrega? espero que no.
Te dejamos el trailer para que sepas de que va la trama de esta segunda entrega:
Por fin llega la segunda entrega de uno de los antagonistas más queridos de cualquier saga: el guasón.
Después de las criticas recibidas a la primer entrega por alejarse mucho de la esencia del personaje buscando explorar un poco más sobre la psique del personaje y hasta cierta manera justificar su locura, mucho se preguntó sobre qué se abordaría en esta segunda película.
Castear a Lady Gaga como Harley Queen y anunciar una duración de más de dos horas hizo que poco a poco los fanáticos empezaran a tener dudas respecto hacia donde se iría esta saga y las dudas tenían mucho sustento.
El principal problema con esta segunda entrega es que el trailer, teaser y reseñas previas venden algo que no es. La película es un musical en toda la extensión de la palabra mucho mas cercano a Moulin Rouge que cualquier entrega de la saga de Batman lo cual genera frustración grande en el fandom que espera una película de acción.
Si te gustan los musicales y la voz de Lady Gaga seguramente será una película que disfrutes de alguna manera, pero si esperas una película de acción que lleve la saga a un posible cruce con el mundo de Batman vas a sufrir en demasía la película.
Esta segunda entrega está plagada de errores respecto a la historia del personaje y el contexto de Batman en general. Si eres súper fan del cómic te recomiendo respirar profundo por que te enojarás bastante.
Joker 2 es un musical que no se entiende en una saga de DC y que busca más “ser una película de arte” que una historia que respete al payaso que pone de cabeza a Gotham City. Como película no es mala, pero en definitiva no una buena secuela para el Guasón.
La película no cuenta con escenas post créditos para que no te quedes hasta el final.
Una de las películas más esperadas desde que se dio a conocer la noticia de que Disney compraba Fox y también quizá la que más dudas tenía respecto a si Disney respetaría el humor negro, ácido y violento de este personaje.
Puedo decirles tres cosas sin spolearles esta tercera entrega:
1 Disney no solo respeta sino que le pone esteroides a lo que hace Deadpool ser Deadpool.
2 Trata por todos los medios posibles no espolearte, el trailer no nos entregó absolutamente nada y te permitirá sorprenderte y vivir la película al máximo
3 Si eres muy fan del MCU, llévate pañal.
La película cuenta con una escena poscréditos literalmente hasta el final, para que te quedes cómodamente en tu asiento. Te recomendamos no abusar de las bebidas por que es una película larga y no hay un solo momento en el que no esté pasando algo, por lo que ir al baño te significará perderte de algún cameo, una parte de la historia o un chiste de esos que se vuelven canon desde que se dicen.
Por último hazte un favor y vela en la pantalla más grande posible, definitivamente es una película para verse por primera vez en el cine.
Deadpool no solo cumple, sobrepasará tus expectativas, te reirás muchísimo, gritarás un montón de veces y pasarás 2 horas muuuuuy divertidas.
PD. Es clasificación C, aunque debió ser R. No te recomendamos ir con niños bajo ninguna circunstancia.
“Una carrera al espacio entretenida y con personalidad, pero no sobresaliente”
La otra cara de la Luna es una película dirigida por Greg Berlanti (Love Simon, 2018) y escrita porRose Gilroy, hija del guionista y director Dan Gilroy (Primicia mortal, 2014) que narra el histórico alunizaje del Apolo 11, en 1969. Llamadas para mejorar la imagen pública de la NASA, la prodigio del marketing Kelly Jones (Scarlet Johansson) y su asistente causan estragos en la ya difícil tarea del director del lanzamiento Cole Davis (Channing Tatum). Cuando la Casa Blanca considera que la misión es demasiado importante para fracasar, Jones recibe la orden de simular un alunizaje falso como respaldo, comenzando la verdadera cuenta atrás.
Una de las cosas que sin lugar a dudas destaca es el diseño de producción, los vestuario se percibe muy acorde a la época y a las personalidades de los personajes, pero lo que más sobresalió para mi son las escenografías. Desde una cafetería hasta los hangares de la NASA, los espacios que acompañan las película se perciben muy acorde a la época y realistas sobresaliendo los angares de construcción del cohete. Además de bien acompañado de una fotografía que sabe mostrar sus espacios y acompañar su historia.
En lo que respecta a la trama de la película el guión es bastante acorde al resto de las historias típicas de romance, el típico hombre serio y cerrado que empieza a abrise ante una mujer astuta y atrevida, que no representa ninguna novedad. Lo interesante de la película es su personaje principal Kelly Jones quien tiene un carísma y astucia que atrapan a los espectadores, así como una forma de pensar que hará dudar a más de alguno. Todo lo anterior acompañado de una buena actuación de parte de Scarlet Johansson.
A pesar de la buena actuación de su protagonista, un buen diseño de producción y el montón de referencias hacia uno de los eventos más importantes en la historia de la humanidad, la película no termina de sobresalir por sucesos forzados o coincidencias que no logran resultar convincentes del todo.
Al final, La otra cara de la Luna resulta una película entretenida, muy buen producida y con actuaciones notables, sin embargo son ciertos momentos forzados que no terminan de cerrar bien la película. Aun así, es una película muy divertida para introducir a alguien al mundo de la astronomía y disfrutable para pasar el rato a carcajadas y suspiros. Si te quedan dudas de verla o no, sólo queda decir que cuenta con Garantía Cinépolis.
“Un lugar en silencio: Día Uno” nos lleva de nuevo al aterrador universo donde el silencio es la única forma de supervivencia. Este nuevo capítulo nos transporta al momento exacto en que el caos estalla, ofreciendo una perspectiva fresca y emocionante de los orígenes de la invasión.
A diferencia de las películas anteriores, que se centraban en la supervivencia en un mundo ya invadido, “Día Uno” profundiza en el inicio del caos. Nos muestra el momento en que la invasión comenzó, ofreciendo una nueva perspectiva sobre cómo se desarrollaron los eventos.
La trama sigue a una chica que lucha por sobrevivir mientras el mundo se desmorona a su alrededor; la protagonista desempeña un papel crucial en la narrativa, proporcionando una perspectiva humana y emocional a la historia del inicio del caos. A lo largo de la película, la protagonista establece una conexión emocional profunda con el público. Sus luchas, miedos y sacrificios son palpables, haciendo que el espectador se sienta vinculado a su viaje personal. Esta conexión emocional añade una capa de profundidad a la narrativa, haciendo que cada decisión y acción tenga un peso significativo.
Las actuaciones son impecables, con un elenco que transmite de manera convincente el miedo, la desesperación y la determinación. La dirección mantiene un ritmo implacable, combinando momentos de intensa acción con pausas llenas de suspenso que te mantienen al borde de tu asiento de principio a fin
El diseño de sonido, nuevamente, es una obra maestra. Cada crujido, susurro y ruido ambiental está diseñado para sumergirte completamente en esta experiencia auditiva única. La película aprovecha el silencio no solo como un elemento de la trama, sino como una herramienta para crear una tensión constante.
“Un lugar en silencio: Día Uno” no solo expande el universo que ya conocemos, sino que también profundiza en el impacto emocional y psicológico de vivir en un mundo donde el más mínimo sonido puede significar la muerte. Es una montaña rusa de emociones que te deja reflexionando mucho después de que las luces del cine se encienden.
Si disfrutaste de las entregas anteriores, esta precuela es una visita obligada. Y si eres nuevo en esta franquicia, “Día Uno” es una excelente introducción a un mundo donde el silencio es oro.
No te pierdas esta experiencia cinematográfica única que redefine el género del thriller y el horror.
“El Club de los Vándalos” dirigida por Jeff Nichols, es una exploración cautivadora del ascenso y la caída de una pandilla de motociclistas del Medio Oeste de los años 60, conocida como los Vandals. Inspirada en el libro de fotografías de Danny Lyon de 1967 con el mismo nombre, la película profundiza en temas de rebelión, amistad y la búsqueda de la libertad en la carretera abierta.
La película cuenta con sólidas actuaciones de su elenco, en particular Tom Hardy, Austin Butler y Jodie Comer. Hardy interpreta a Johnny, el fundador del club, con una mezcla de dureza y vulnerabilidad, capturando el espíritu contradictorio de un hombre que busca propósito en su vida. Butler, por su parte, da vida a Benny, un joven rebelde cuya atracción por las motos es tan intensa como autodestructiva.
Kathy, interpretada por Jodie Comer, es la esposa de Benny, uno de los miembros principales de los Vandals. Kathy es una figura central en la narrativa de Vandals y su relación con Benny proporciona una perspectiva íntima y emocional sobre el impacto del crecimiento y la evolución del grupo de motociclistas
Al principio, Kathy se siente atraída por el espíritu rebelde de Benny y la libertad que representa su vida en el club. Sin embargo, a medida que los Vandals crecen y se vuelven más notorios, la naturaleza violenta y autodestructiva de la pandilla empieza a afectar su relación y su vida personal. Kathy, consciente de los peligros y las tensiones que se desarrollan dentro del grupo, lucha por mantener su matrimonio y proteger a Benny de los efectos negativos del estilo de vida motociclistas. Ofreciendo una representación auténtica de una mujer atrapada entre el amor por su esposo y el peligroso mundo en el que él habita
Las consecuencias del crecimiento del grupo incluyen una escalada de violencia y conflicto interno, así como la infiltración de individuos que buscan poder más que amistad. Este cambio en la dinámica del club pone a prueba la lealtad y la seguridad de todos los involucrados.
La película está bellamente filmada en 35mm y se captura la esencia de la época sin caer en una recreación fetichista del pasado. Nichols utiliza el escenario y el período para explorar uno de sus temas recurrentes: las personas que luchan desesperadamente por aferrarse al amor y la identidad
“El Club de los Vándalos” evita una nostalgia simplista y en su lugar ofrece una mirada matizada y agridulce sobre la cultura motociclista y los cambios sociales de la época
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