Antes de entrar a la función de The Whale, sólo sabía que la crítica internacional esperaba con ansias la película que marcaría el retorno triunfal de Brendan Fraser a Hollywood. Lo primero que noté al comenzar la nueva película de Darren Aronofsky fue que la pantalla aparecía en formato 4:3 y primero pensé que debía haber sido algún error del proyector, pero pronto entendí el propósito de presentar la cinematografía de esta manera. El formato 4:3 es llamado así por su relación de aspecto entre el largo y ancho de la pantalla. Un formato 4:4 sería un cuadrado perfecto donde el largo y ancho de la pantalla son exactamente iguales. En el formato 4:3, el ancho es 25% más corto que el largo de la pantalla, es decir, la película está presentada en un formato rectangular que se asemeja más a un cuadrado. Este estilo es en el que estábamos acostumbrados a consumir programas de televisión porque las pantallas en casa solían ser cuadradas y las pantallas en cine eran rectangulares y alargadas, estilo widescreen. Últimamente varias películas han hecho uso de este recurso de maneras artísticas muy efectivas como en The Lighthouse de Robert Eggers donde se utiliza junto con la fotografía en blanco y negro para generar una atmósfera que recuerda al expresionismo alemán de principios del siglo XX, o en X de Ti West donde la película abre desde el interior de un granero en 4:3 y en forma que avanza la cámara hacia adelante la imagen se expande hasta llegar al formato widescreen al que estamos acostumbrados hoy en día para simbolizar el cambio de los tiempos desde la perspectiva de la dulce y tierna anciana Pearl que protagoniza la película. En el caso de The Whale, tenemos este formato reducido en pantalla para enfatizar la claustrofóbica existencia y la preocupante obesidad mórbida de Charlie, un profesor de literatura que después de una gran tragedia en su vida se ha recluido en su casa y pasa sus días comiendo comida chatarra en exceso a manera de una lenta autodestrucción. 

A pesar de su devastadora tristeza y soledad, Charlie mantiene su buen humor y optimismo y trata de enfocarse en los aspectos más positivos y auténticos de las personas. En verdad la actuación de Brendan Fraser es merecedora de toda la expectativa que ha generado, es un papel que se beneficia inmensamente del desbordante carisma que siempre ha presentado este gran actor. The Whale es tan oscura y deprimente como suele ser la filmografía del director, pero irónicamente Fraser es el que se encarga de brindar la ligereza que mantiene equilibrado el tono. La historia se desarrolla en una semana dentro de la vida de Charlie donde es visitado en un principio por Thomas, interpretado por Ty Sympkins, un misionero que por alguna extraña razón se siente comprometido a salvar el alma de Charlie después de que lo encuentra a solas en su sala sufriendo de un ataque de ansiedad mientras ve pornografía. Charlie no está seguro si está sufriendo un ataque de pánico o al corazón pero en caso de estar muriendo le pide al misionero que le lea un ensayo sobre Moby Dick que siempre mantiene cerca por razones que descubriremos conforme avanza la trama. Por fortuna, poco después llega la enfermera Liz (Hong Chau) que se encarga de cuidar al profesor todos los días y en el transcurso de la semana Charlie también es visitado por su hija y su ex esposa, interpretadas por Sadie Sink y Samantha Morton respectivamente. Y es a través de estas visitas que logramos entender un poco más sobre la situación de Charlie, cómo llegó a donde está y hacia dónde se dirige su vida.

Como ya se ha hablado por meses, la actuación de Fraser es sin lugar a dudas magnífica, sin embargo el resto de las actuaciones son muy desbalanceadas. Hong Chau es quien probablemente ofrece la actuación más consistente dentro del resto del reparto, pero Sadie Sink y Ty Sympkins en particular ondulan entre parecer que no lo toman del todo en serio o que lo toman demasiado en serio y se envuelven en un melodrama adolescente del montón. Otro factor que juega en contra de la película es el hecho que todo se desarrolla en cinco días consecutivos, y por lo tanto el desarrollo de personajes se siente un poco forzado. Es difícil creer que en el transcurso de menos de una semana estas personas logren pasar por tanta turbulencia emocional y cambios personales después de una vida de combatir con cada uno de sus conflictos individuales. 

Aunque es presentada de una manera muy artística, realmente no hay un gran mensaje que comunicar y varias de las temáticas que se abordan se sienten superficiales y más enfocadas en provocar una reacción emocional en el momento que en explorar a profundidad la condición humana de los personajes. The Whaleno es perfecta, pero en sintonía con su mensaje general de aceptación no tendría por qué serlo. Es una película que va a satisfacer a todos los fans de Brendan Fraser que vitorean con emoción su triunfal retorno, así como a todos los seguidores de Darren Aronofsky, ya que bien pudiera ser el cierre de una trilogía temática junto con The Wrestler y Black Swan. A fin de cuentas, al igual que en esas dos películas, nos presenta la historia de un personaje con una compulsión autodestructiva que puede terminar con su vida de no ser capaz de cambiar su comportamiento.

– Rafa Carrillo

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En los últimos 10 años, Dave Bautista ha demostrado un enorme crecimiento como actor y se ha vuelto una figura carismática con un talento comparable con The Rock, por hablar de actores con trayectorias similares. Sin embargo Dwayne Johnson tiene años en su zona de confort y Bautista, aunque no se puede decir que tenga un rango muy amplio, constantemente busca papeles distintos y logra destacar en cada uno de ellos. Gracias a esto, en esta última década ha trabajado con grandes directores como James Gunn, Denis Villeneuve, y Rian Johnson, por mencionar algunos, y ahora ha sido el momento de trabajar con M. Night Shyamalan, un director igual de famoso pero mucho más controversial. Sí, hasta más controversial que lo que los fans de Star Wars consideran a Rian Johnson. En Knock at the Cabin, Bautista interpreta a un profesor de primaria llamado Leonard, quien es a la vez intimidante y una ternurita de persona. Un papel que le queda como anillo al dedo a este amable gigante musculoso que colecciona loncheras. De verdad eso hace en la vida real, búsquenlo. Leonard, acompañado de otros 3 extraños, ha sido encomendado con una difícil tarea: visitar una cabaña vacacional donde se encuentra una familia y explicarles que el apocalipsis está a un día de suceder y la única manera de detenerlo es que algún miembro de la familia muera a mano de uno de sus familiares. Hasta este momento, la premisa suena relativamente interesante y a pesar de todas las flores que le echo a la carrera de Dave Bautista, cuando puedes con confianza decir que su actuación es lo mejor de toda la película o quizás lo único bueno, sabes que te has encontrado con problemas. Con todo respeto, Sr. Bautista.

No significa que el resto del elenco sea malo, pues al menos Jonathan Groff y Rupert Grint han demostrado actuaciones de gran calidad previamente en teatro, cine y televisión, pero Shyamalan no supo qué hacer con ellos. Después de haber planteado a la familia este imposible dilema de elegir entre matar a uno de sus integrantes o dejar que acabe el mundo realmente no pasa nada más durante la película, solamente tenemos a 7 personas sentadas en la sala de televisión de una cabaña en el bosque tratando de convencerse de si la situación es real o no, y en caso de ser real qué decisión van a tomar. Es como si Cabin in the Woodshubiera sido una película aburridísima y desangelada. No hay ningún tipo de tensión ni desarrollo de personajes y el mensaje que quiere comunicar la película, si es que existe, es demasiado confuso. 

Como es característico del director, la película parece tener la intención de predicar sobre algo ambiguo que raya en religioso pero de ninguna religión en particular. En momentos parece que hace alusión a los seguidores de Donald Trump con referencias burdas a Steve Bannon, #pizzagate y QAnon pero no queda claro si lo hace a favor de Trump, en contra o simplemente se hacen referencias al azar para dar la finta de que la película tiene una intención o una temática. A estas alturas me hubiera encantado que hicieran el intento de fingir que la película tenía trama. La familia que vacaciona en la cabaña está compuesta de dos hombres gay que adoptaron a una niña y hay momentos que la película parece inclinarse hacia un mensaje en contra de la homofobia y otros momentos determinantes que parecen inclinarse hacia la homofobia o al menos a darle la razón a los homófobos. Para ser una película del apocalipsis es un desastre de película y no una película de desastres. 

Hay momentos donde Shyamalan saca a relucir su Roland Emmerich interno y muestra escenas de destrucción masiva que podrían haber hecho de esto una película mucho más entretenida al menos visualmente, pero todo lo vemos desde una pantalla de televisión dentro de la misma aburrida sala de televisión de la cabaña. Tenía algo de esperanzas de al menos ver algo absurdo y ridículo como The Happening y sus escenas donde las plantas hacen que la gente pierda todo el sentido de preservación. Al menos eso hubiera sido divertido, es difícil ver The Happening sin reír de lo mala que es. Knock at the Cabin ni siquiera es tan mala que es buena, simplemente es mala.

– Rafa Carrillo

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The Fabelsman es una película co-escrita por Tonny Kushner, dirigida y escrita por Steven Spielberg, musicalizada por John Williams y cuenta con la participación de Michelle Williams, Paul Dano, Gabriel LaBelle y David Lynch.

Los Fabelsman narra la historia de Sammy un joven que de niño quedó enamorado del cine. Armado con una cámara, buscará cumplir su sueño de volverse un cineasta mientras enfrenta los conflictos internos de su familia y de crecer.

Siempre ha sido oportunidad de diálogo la forma en la que el contexto de un/a artista afecta en sus obras y a decir verdad, el caso de Spielberg no es la excepción. La filmografía de Spielberg es conocida por ser diversa en sus géneros, ideas y propuestas. Sin embargo, es mediante esta película que remarca una sus características más recurrentes: Lazos familiares rotos. La trama de Sammy se vuelve una salida de Spielberg para abordar temas más complejos y personales como el divorcio de sus padres o el sacrificio que implica dedicarse al arte. 

A pesar de que todo lo anterior pudiera prestarse a la grandilocuencia, presunción biográfica y la crítica a los estilos de crianza. Spielberg crea un filme totalmente contrario a todo lo anterior, la dota de un realismo y amor tan grande que se vuelve casi imposible mantenerse ajeno a las situaciones de los personajes. Desde el desconcierto, la duda, la pasión y el entendimiento es que uno de los más grandes directores de nuestros tiempos dirige una carta de comprensión y perdón a sus padres. 

Las actuaciones son increíbles, en especial las de Michelle Williams y Paul Dano. Al igual que su música y sobre todo su guion.

Los Fabelsman es sin lugar a duda una película estrella más en la larga y destacada filmografía de su director.

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FESTIVAL

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